CHARLIE EGLESTON

Cineasta experimental nacido en Kitchner, Ontario, Charlie Egleston ha hecho películasa lo largo de los últimos 20 años, trabajando con su archivo personal y familiar, usando su propia vida como materia prima, cuestionando a el propio sentido de la imagen, indagando los modos expandidos del video y el cine. Es capaz de combinar un sentido reflexivo sobre del cine con una estética poderosa construida sobre sus miedos y ansiedades. Sus películas se han exhibido en Norteamérica y el mundo, incluidos IFF Rotterdam, Oberhausen IFF, Media City FF, WNDX FF, Ann Arbor FF, y ha sido premiado por organizaciones como el Canada Council for the Arts o el Ontario Arts Council. 

OBRAS EXHIBIDAS EN EL MOCA

Still life

Una narrativa vaga y al tiempo fuída compuesta por material tanto de archivo encontrado como personal filmado, que se aparta de los usos típicos de las imágenes familiares para reinterpretarlas formando el poso de una inminente experiencia traumática. Las ansiedades de la paternidad alimentan una corriente de tensión que aumenta nuestra conciencia sobre la vulnerabilidad de los niños que traemos a este mundo. Egleston es capaz de transmitir estos sentimientos a través de un tratamiento de la imagen exquisito donde ponemos en cuestión la percepción de la imagen.

 

Family portrait #2

Una grabación de ultrasonido del latido del corazón de mi primer hijo… la intensidad del parto … un retrato familiar. La forma se altera mediante la manipulación de distintas lentes, el óptical printing y el revelado manual para evocar las polaridades y la fragilidad de la vida”. Una película intensa que lleva a una nueva dimensión las posibilidades del retrato familiar.

See/Saw

Una película sobre ver y haber visto. Completamente revelada amano y minuciosamente editada, SEE / SAW se compone de una serie de desvanecimientos del iris de la cámara, comúnmente utilizados en las antiguas películas mudas para señalar el comienzo o el final de una escena. Aquí esos apagones en forma circular son apropiados como enfoque formal que quiere significar el deseo de ver y de recordar. La película de alto contraste contribuye a acentuar las dicotomías apertura/cierre, principio / final, claro/oscuro … Utilizando imágenes familiares, Egleston sin embargo logra una distancia que permite elevar imágenes típicas familiares a una propuesta formal poderosa que nos sumerge en su universo estético.

Francisca duran

Francisca Duran es una artista de cine experimental chileno-canadienses que hace películas, videoinstalaciones y trabajos en 2D, (fotografía y mezcla de otros medios) para reflexionar sobre temáticas como la historia y la memoria (tanto personal como colectivas) o la violencia. Activista, feminista, lleva desde inicios de los años 90 haciendo cine. Durán ha mostrado sus películas en Canadá e internacionalmente en festivales como Festival Internacional de Cine de Edimburgo, el Festival Internacional de Rotterdam, HotDocs, Arkipel, Festival de imágenes, Ann Arbor Film Festival, Los Angeles Film Forum, John Hansard Gallery y Gallery 44. Duran posee un B.A.H. de la universidad de Queen, y también un M.F.A. en la Universidad de York, donde toma contacto y se ve influida por Phil Hoffman, de quien aprende metodologías de revelado a mano de película, y con quien colabora en su granja retiro en varias ocasiones. Ha sido galardonada con becas de investigación estatales, de viajes y de producción por instituciones como el Canada Council for the Arts, the Ontario Arts Council, o el Toronto Arts Council.

OBRAS EXHIBIDAS EN EL MOCA

Boy

La posibilidades para una poética visual de lo cotidiano en la ciudad de Vancouver afloran para la cineasta Francis Durán cuando habita esta ciudad de Canadá. Así en Boy reflexiona sobre esta urbe mientras entrelaza esos pensamientos con la experiencia de la maternidad y el nacimiento de su primer hijo. Durán nos ofrece una profunda meditación sobre las ciudades que habitamos que al tiempo es un testimonio sobre la experiencia de la crianza de una madre, chilena, en el exilio..

 

Tales from childhood

Un documental en el que la cineasta saca a la luz recuerdos oscuros de la infancia, y los entremezcla con imágenes de aquel momento (inicio de los 90) en Kingston y Toronto. Los recuerdos son siniestros, abrumados por pesadillas y escenas de muerte. Las imágenes que vemos de las calles nevadas, de un niño jugando y de la orilla del mar se vuelven premonitorias. Este film profundamente autobiográfico nos sitúa en el momento en que Francisca Durán escapó de Chile cuando tenía seis años con el sangriento golpe de estado de 1973 y cómo la caída de la democracia en su país condujo a la desaparición de su inocencia y de a la muerte de la verdad.

Richard fung

RICHARD FUNG es un videoartista, escritor, intelectual público y teórico que actualmente vive y trabaja en Toronto, Ontario. Nació en Puerto España, Trinidad. El trabajo de Fung en video explora el papel de los hombres asiáticos en la pornografía gay, mientras aborda las intersecciones entre el colonialismo, la inmigración, el racismo, la homofobia y el SIDA. Recibió una maestría en sociología y estudios culturales en la Universidad de Toronto. Actualmente es profesor en la Universidad OCAD.

OBRAS EXHIBIDAS EN EL MOCA

Sea in the blood

Sea In The Blood es un documental personal sobre cómo vivir con una enfermedad, que rastrea la relación del artista con la talasemia en su hermana Nan y el SIDA en su compañero Tim. En el centro de la pieza hay dos viajes. La primera es en 1962, cuando Richard fue de Trinidad a Inglaterra con Nan para ver a un famoso hematólogo interesado en su caso inusual. El segundo es en 1977 cuando Richard y Tim hicieron la peregrinación de contracultura de Europa a Asia. La relación con Tim floreció, pero Nan murió antes de su regreso. La narrativa de amor y pérdida se establece en un contexto de colonialismo en el Caribe y las reverberaciones de la migración y el cambio político.

My mother´s Place

My Mother’s Place es un documental experimental centrado en la madre del artista, que a los 80 años todavía tiene vívidos recuerdos de una historia perdida. Ella transmite estos con un estilo de narración y una franqueza que es claramente de las Indias Occidentales. Una cinta sobre memoria, historia oral y autobiografía, My Mother’s Place entrelaza entrevistas, narraciones personales, películas caseras y verdades del Caribe para explorar la formación de raza, clase y género bajo el colonialismo..

MARCOS ARRIAGA

Nacido en Lima, Marcos se licenció en Periodismo en 1985, y trabajó en Perú como periodista y fotógrafo para los diarios «MARKA», «LA VOZ» y la revista semanal «AMAUTA». En pleno auge del movimiento terrorista Sendero Luminoso, Arriaga comenzaba a temer por su seguridad y futuro, por lo que emigro a Canada a finales de 1987. Trabajó en hostelería hasta que pudo ahorrar para estudiar cine en Sheridan College en 1992, donde tuvo como profesor a Phil Hoffman y como compañera a Tracy German. Su interés por el documental social se cultivó con una mirada poética y experimental.

OBRAS EXHIBIDAS EN EL MOCA

Promised Land

Un documental experimental que salta de lo personal a lo político en esa tensión que Arriaga contiene entre su lado más periodista y su otro lado poeta. Seguimos la historia de la familia de Marcos Arriaga en Perú desde mediados del siglo pasado hasta nuestros días. Esta historia se enmarca en lo puramente autobiográfico explorando las posibilidades poéticas del medio, poniendo lo formal en relación con los acontecimientos políticos que tienen lugar en todo el continente latinoamericano. En Promised Land Arriaga entrelaza los diversos puntos de vista, ofreciendo su propia perspectiva de la memoria, la historia y la identidad suya y la de su país.

Looking for Carmen

Looking for Carmen explora un episodio violento en la historia peruana reciente: la guerra civil instigada por el grupo guerrillero comunista peruano Sendero Luminoso entre 1980 y 2000. Abimael Guzmán, profesor de filosofía fundó Sendero a finales de los años 60 en respuesta a la ruptura de los partidos comunistas soviético y chino. Adoptaron la doctrina maoísta y fomentaron el conflicto armado como única estrategia. Sus tácticas del grupo fueron condenadas por su brutalidad contra los campesinos, los organizadores sindicales, los funcionarios elegidos popularmente y la población civil en general. A principios de los años 90, el controvertido presidente de Perú, Alberto Fujimori, estableció un régimen autoritario, cerró el Parlamento peruano y otorgó al ejército poder ilimitado para arrestar a presuntos miembros de Sendero Luminoso y hacer que fueran juzgados por un tribunal militar secreto. Las organizaciones internacionales de derechos humanos acusaron al gobierno de Fujimori y a las fuerzas armadas peruanas de participar en abusos generalizados contra los derechos humanos como una táctica para derrotar a Sendero. Más de 69,000 personas murieron o desaparecieron como resultado del conflicto armado.

TRACY GERMAN

Tracy German es una cineasta, artista y profesora canadiense de origen indígena que trabaja entre el cine experimental y la instalación cinematográfica. Su formación es primero en Sheraton School (donde actualmente es profesora) y luego en el MFA de York University. Su trabajo se sitúa dentro de la «Escarpment School «, por haberse formado como alumna de Jeffrey Paul, Rick Hancox, Phil Hoffman y por alinearse prestando atención al paisaje (de América del Norte), a través de la autorreflexión crítica, con una mirada poética y al tiempo diarística, basada en el cine de proceso

OBRAS EXHIBIDAS EN EL MOCA

In a Present Distance

Tracy German ofrece en este filme un retrato fascinante de la maternidad motivado por un viaje en tren a la ciudad de Quebec, que desencadena emociones, recuerdos y fragmentos de su vida. Imágenes que hablan bella y sutilmente del viaje que es la vida, del duelo y la pérdida, la felicidad, la alegría y la tristeza. La melancolía que produce la reflexión sobre la vida es también un gesto de optimismo sobre el acto de vivir.

A Private Pacht of Blue

«Un autorretrato de maternidad que muestra a la cineasta Tracy German calmada pero expectante ante la sorpresa invernal que supondrá el nacimiento de su primer hijo. Estructurada en episodios, desde una mirada observacional se muestra su entorno doméstico a partir del punto de vista de un futuro bebé llegando sobre montañas de leña y rocas, abiertos los ojos de German de asombro y mirada afinada…»

 Mike Hoolboom

mike hoolboom

Mike Hoolboom, cineasta prolífico y versátil emerge a mediados de 1980 como una de las fuerzas más enérgicas del cine experimental canadiense. De herencia holandesa-indonesia, Hoolboom utilizó la cámara Super 8 de su padre para gran parte de sus primeros trabajos, en los que se muestra fascinado por cómo funciona el lenguaje y la narrativa, cómo la fisicalidad determina la percepción, o cómo la película misma transmite ideas. Intensamente personales, las primeras películas de Hoolboom utilizan imágenes autobiográficas y recuerdos suyos para posicionar su investigación en la forma de los discursos. Es un modelo de creador de ingenio incansable que trabaja bien con bajo presupuesto y hace nuevas películas con material reciclado de sus otras películas

OBRAS EXHIBIDAS EN EL MOCA

Introduction to alchemy

…Incapaz de abandonar el universo de mi apartamentos y asistir un festival en Escocia, envié este sustituto video digital en su lugar… El estilo directo de la cámara se superpone con salidas y entradas a mi propio archivo de películas. Esta película fue inspirada por la escritora Audre Lorde y también por mi talentosa amiga teórica Laura Marks, que me explicó su concepto de sinestesia táctil…”

(Mike Hoolboom)

 27 thought about my father

Mike Hoolboom reflexiona en 27 breves escenas sobre la vida de su padre, fallecido en junio de 2017. Utilizando películas caseras, instantáneas y material de archivo, el autor crea un retrato de la figura de un padre extremadamente inteligente pero evanescente, atormentado por la guerra que lo envió a un campo de concentración. Finalmente, la familia se mudó a Canadá. Esta historia profundamente autobiográfica y al tiempo política entrelaza sueños y experiencias personales de modo asociativo, y transmite hondura de pensamiento bajo su enmarañada apariencia.

phil hoffman

En palabras de Xisela Franco, comisaria de la Muestra, «Este programa de cine autobiográfico canadiense no tendría sentido sin una figura como la de Phil Hoffman, catalizador, nexo que une y ha influido a todos los autores y autoras que presentaremos en el MOCA a lo largo de estos meses». Philip Hoffman es uno de los cineastas experimentales más influyentes de la escena de vanguardia canadiense, especialmente en lo que se refiere al documental de diario.

OBRAS EXHIBIDAS EN EL MOCA

What this ashes wanted

  1. 55 min. 16mm.

«»What these ashes wanted» recompone fragmentos de la vida del cineasta junto a Marian McMahon, su pareja, que murió tempranamente de cancer y dejó un profundo hueco en la vida de Hoffman. Esta película, como el kintsugi, el arte de reparar cerámica con resina de oro, trata de convertir una fractura, una cicatriz del alma rota en fragmentos, y sostener ese tormento como parte de la historia de uno, como la poesía puede ayudar a convertir el dolor en memoria y sellar con hilos de oro el sufrimiento por la pérdida de la amada.

 Aged

Canada / 45:00 / 2014 / sound / colour & b/w / English

“…Hoffman realizó este trabajo a partir de imágenes que filmó durante seis años mientras atendía a su padre enfermo. Usando técnicas de manipulación analógica y digital, hace que las imágenes parezcan de otro mundo, manteniendo una intimidad desgarradora con los personajes retratados…” – Chicago Reader, Ben Sachs

Lessons in process

Canada / Cuba / 30:55 / 2012 / sound / colour & b/w /

Esta película nace de la invitación de Hoffman a realizar un taller sobre el “cine de proceso” en la famosa Escuela Internacional de Cine y Televisión en Cuba. A medida que se desarrolla el taller los estudiantes experimentan con una forma de creación basada en la espontaneidad que requiere que se abran al entorno y al momento presente…

rick hancox

El primer autor que presentamos en la I Muestra de Cine Autobiográfico fue el canadiense Rick Hancox, quien lleva cuatro décadas haciendo películas en primera persona. Utilizando los medios más modestos, ha creado un cuerpo de trabajo conmovedor, a menudo descarado, exquisitamente editado, y abiertamente diarístico.

OBRAS EXHIBIDAS EN EL MOCA

House Movie.

Canadá / 15:00 / 1972 / sonido / color

“Filmada en una casa alquilada en Athens, Ohio, House Movie juega de manera sutil e interesante con el concepto de ‘película casera’. A medida que la cámara se mueve con ‘determinísticamente’ por el espacio de la arquitectura, esta casa alquilada nunca logra generar un hogar ni un sentimiento de verdadera comodidad o pertenencia «( Cathy Jonasson, Canada House Program Notes)

Waterworx. 

Canada / 5:35 / 1982 / sound / colour

«Lo que me parece más impresionante de ‘Waterworx’ es la capacidad de Hancox para fusionar el poema de Stevens y sus propias imágenes y sonido, sin dañar el poema, sino que la película proporciona una lectura efectiva del mismo … , las imágenes vacías de la película (acción vacía, de personas) reflejan las del poema y, sin embargo, ambas están obsesionadas por la presencia de la mente poética en el proceso de formación de lo que estamos experimentando «. – Scott MacDonald, Afterimage, marzo de 1986

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